Mouvement en sculpture. La sculpture, ce terme merveilleux qui nous désigne un monde fascinant, est l'une des formes d'art les plus importantes et les plus difficiles, au point que dans le passé elle était considérée avant tout comme l'apanage des hommes «réels». Des sculpteurs anciens qui avaient souvent comme principales conditions non seulement un grand talent artistique et une capacité technique mais aussi une grande force physique pour imposer leur art et leurs idées au ciseau sur la matière dure et brute non armée. Pour le grand artiste et célèbre sculpteur italien Michelangelo Buonarroti, considéré avec tout son mérite parmi les plus grands de toute l'histoire de l'art, la sculpture était la première et la plus sublime des formes d'art connues à l'époque.
Des pensées vraiment fascinantes, mais ici, nous voulons simplement parler (également pour taquiner un peu votre grande passion) de la façon dont certaines idées importantes de la sculpture liées au mouvement des statues qui représentent des figures humaines ont changé à travers diverses périodes historiques. Nous savons tout d'abord que depuis l'Antiquité nous avons toujours cherché la bonne manière de pouvoir représenter la figure humaine au plus près de la réalité à travers des œuvres sculpturales. Alors aussi essayer de leur donner un fil de vie et de mouvement. Cette recherche sur le mouvement est certainement liée aux connaissances et aux différents moyens techniques intervenus au cours des différentes périodes historiques. Cependant, déjà pendant la période de cette civilisation glorieuse et extraordinaire de la Grèce antique (du 9ème au 1er siècle avant JC Environ) on avait la connaissance de la représentation du mouvement dans les œuvres d'art. Surtout au début de la période grecque définie par les historiens de l'art comme archaïque (6ème siècle avant JC), la sculpture entama une phase d'évolution technique et formelle continue et grande, souvent due aux grandes rivalités ou compétitions qui existaient entre les plus importantes villes grecques. ou parmi ses artistes. Des villes comme Athènes, Sparte, Olympie ou Delphes pour ne citer que les plus célèbres qui se sont affrontées grâce aux compétences et à la virtuosité de leurs artistes. La figure humaine dans la sculpture grecque a été initialement représentée à l'époque archaïque avec des caractéristiques presque complètement statiques. Le mouvement dans les œuvres était soit pas du tout représenté, soit rendu assez maladroit et imprécis.Koùroi ou filles, le Koraitous deux réalisés avec une position très rigide et immobile et avec une pose frontale (on voit un exemple ci-dessus pour zoomer en cliquant sur les images). Ces statues ont été faites spécialement pour célébrer les riches familles aristocratiques de la Grèce antique et pour cela, elles ont été créées pour donner un grand sens de raffinement et d'élégance. Les statues masculines et féminines présentaient généralement des coiffures très complexes (technique de perles) et les vêtements des filles étaient peints. Plus tard, avec la découverte et le développement de la technique sculpturale appelée fonte à la cire perdue, un pas en avant important a été fait dans la sculpture grecque. Les artistes ont commencé à étudier et à mieux comprendre le mouvement dans leurs œuvres en bronze qui sont devenues de plus en plus complexes et riches en détails au fil du temps. Depuis lors, les sculpteurs grecs les plus célèbres se sont développés et ont donné une grande importance à l'idée du mouvement de la figure humaine, tout d'abord en créant des statues avec des mouvements à peine suggérés jusqu'à la création au fil du temps de chefs-d'œuvre sculpturaux extraordinaires et uniques si complexes, avec des mouvements naturels parfaits et avec des virtuosités technico-artistiques vraiment uniques que ce n'est qu'après de nombreux siècles (à partir de la Renaissance) que certains grands maîtres ont réussi en partie à égaler puis à surmonter avec grand mérite.
Le mouvement suspendu qui se divise en repos.
Pendant la période historique de la civilisation grecque connue dans l'art sous le nom de période de Severus, les sculpteurs étudient un nouveau langage pour leurs œuvres. Les innovations viennent avant tout dans le rendu du mouvement avec des solutions nouvelles et très efficaces par rapport aux archaïques également grâce, comme nous l'avons dit, aux nouvelles techniques de traitement du bronze. Les figures humaines des statues au fil du temps abandonnent la pose frontale des Kourus pour conquérir l'espace qui les entoure. Le mouvement pendant la période de l'art Severa est étudié et vu par certains artistes comme s'il était divisé en une série de pauses. Les sculpteurs grecs veulent représenter la figure humaine afin que chaque observateur puisse deviner à la fois le mouvement précédent et le mouvement suivant au moment précis immortalisé dans leurs œuvres.Cronidetrouvé dans les fonds marins du cap Artemisio en Grèce et réalisé vers 480-460 av. J.-C. Cette statue représente un homme, peut-être le dieu Zeus au moment précédent de lancer son arme qu'il tient dans sa main droite. Malheureusement, l'arme n'a pas été trouvée et c'est précisément à partir du type d'objet lancé que l'on pouvait deviner qui était le personnage représenté. Si c'était un coup de foudre, ce pourrait être Zeus, si c'était un trident au lieu du dieu de la mer Poséidon. Le mouvement naturel représenté de manière parfaite capture le personnage au moment précis où, dans la tension maximale, il s'arrête dans une pause imperceptible pour contrôler toute l'action du lancement, également aidé par la main gauche parfaitement tendue vers l'avant qui sert à prendre la bonne visée. Le poids du corps est déchargé sur la jambe gauche qui est immobile tandis que la droite est légèrement écartée et en arrière. Le mouvement de la poitrine qui tourne légèrement nous donne le sens parfait du lancement qui se produit sûrement dans l'instant d'après. Tout cela est bien étudié et réfléchi par l'artiste grec anonyme mais très bon dans cette statue et pour cette raison, il est considéré comme un grand chef-d'œuvre de la sculpture en général. Au fil du temps, ces idées importantes sur le mouvement et ses pauses seront également récupérées et développées dans d'autres œuvres de sculpture très grandes et célèbres, par exemple dans l'œuvre extraordinaire de la période classique que le monde entier connaît et admire sous le nom de Tout cela est bien étudié et pensé par l'artiste grec anonyme mais très bon dans sa statue et pour cette raison, il est considéré comme un grand chef-d'œuvre de la sculpture en général. Au fil du temps, ces idées importantes sur le mouvement et ses pauses seront également récupérées et développées dans d'autres œuvres de sculpture très grandes et célèbres, par exemple dans l'œuvre extraordinaire de la période classique que le monde entier connaît et admire sous le nom de Tout cela est bien étudié et réfléchi par l'artiste grec anonyme mais très bon dans cette statue et pour cette raison, il est considéré comme un grand chef-d'œuvre de la sculpture en général. Au fil du temps, ces idées importantes sur le mouvement et ses pauses seront également récupérées et développées dans d'autres œuvres de sculpture très grandes et célèbres, par exemple dans l'œuvre extraordinaire de la période classique que le monde entier connaît et admire sous le nom deDiscobole de Myron (environ 450 avant JC).
le mouvement qui transmet les émotions, le drame et le pathétique fort.
C'est encore dans la sculpture grecque et dans le temps entre les différentes périodes (Severo, Classique, Hellénique) que les artistes continuent d'exprimer et de concevoir le mouvement dans leurs œuvres, même avec des caractéristiques parfois nouvelles, capables de transmettre de fortes émotions et pathos chez ceux qui les admire. Vers le IIe siècle avant JC, à l'époque définie dans l'art helléniste, une statue représentant un jeune jockey a été créée par un sculpteur grec resté anonyme.sur un cheval courant (on le voit ici sur le côté). Aussi cette statue ainsi que celle de Cronide a été trouvée sur le territoire de la Grèce appelé Cap Artemisio et aujourd'hui nous pouvons la trouver au Musée Archéologique National d'Athènes. Cette œuvre représente un mouvement agité et frénétique d'un cheval lancé au grand galop avec un très jeune garçon sur le dos, sans l'aide d'une selle. La composition et le mouvement sont tous projetés vers l'avant. L'artiste grec a tout décrit parfaitement et naturellement. Le cheval a les oreilles baissées, les narines dilatées et la bouche ouverte pour témoigner du grand effort qu'il fait. Chaque muscle de l'animal est tendu et prépare le saut qui remportera peut-être la course pour son jeune jockey. J'ai parlé d'une course peut-être parce que le jockey a l'air vraiment excité en face et semble presque donner l'idée qu'il veut pousser le cheval à un dernier grand effort. De plus, le jeune homme vêtu d'une simple robe de l'époque se retourne comme s'il voulait contrôler d'éventuels adversaires de la course. Toute cette tension et ce mouvement nous transmettent des émotions et un fort pathos. Le regard de l'observateur a alors tendance à se déplacer de lui vers un point qui le précède dans le sens du mouvement. Une autre œuvre hellénique extraordinaire est également Toute cette tension et ce mouvement nous transmettent des émotions et un fort pathos. Le regard de l'observateur a alors tendance à se déplacer de lui vers un point qui le précède dans le sens du mouvement. Une autre œuvre hellénique extraordinaire est également Toute cette tension et ce mouvement nous transmettent des émotions et un fort pathos. Le regard de l'observateur a alors tendance à se déplacer de lui vers un point qui le précède dans le sens du mouvement. Une autre œuvre hellénique extraordinaire est égalementle Laocoon exécuté par le sculpteur Agesandros et ses fils.
Le mouvement appelé spirale ou serpentine.
Comme mentionné ci-dessus, à partir de la période de la Renaissance, il y a eu de grands maîtres qui ont contribué à développer les idées et les concepts liés au mouvement dans la sculpture. De grands génies et de véritables talents de l'art comme le précité Michelangelo Buonarroti qui est devenu le maître de nombreux autres artistes qui l'ont succédé. Parmi les sculpteurs qui ont subi le grand charme et ses influences positives à travers les œuvres de Buonarroti, nous pouvons certainement citer le célèbre sculpteur italien connu sous le nom de Giambologna (1529-1608). L'étude et le développement du mouvement dans ses œuvres atteint vraiment de nouveaux horizons tant dans les langues que dans la technique sublime. Admiré de tous pour la grande virtuosité de Giambologna dans sa création, c'est par exemple l'œuvre sculpturale en marbre appelée le viol des Sabines.(voir sur le côté) construit vers 1583, maintenant situé à La Loggia dei Lanzi dans la ville de Florence. Ce magnifique travail comme le titre nous le fait comprendre représente trois personnages dans une scène mouvementée et très dramatique. On voit un citoyen sabin qui est le vaincu, une jeune romaine qui est la gagnante et une femme sabine qui est sur le point d'être kidnappée par le romain et qui tente désespérément de se libérer de cette étreinte forcée d'un dernier coup de rein. Il semblerait que la femme, aidée par la poussée offerte par son bras droit, réussisse à échapper aux mains de son ravisseur. Le mouvement ici est maximisé et transmet parfaitement toute la tension et le drame vécus dans la scène. Il est du type "en forme de spirale", c'est-à-dire pour former des cercles concentriques et en forme de spirale. Les trois personnages représentés ne sont liés que par le jeu de regards intenses. Les corps se déplacent dans des directions différentes et construisent ainsi une formation serpentine complexe.
Le mouvement qui est annulé dans l'œuvre de Bernini.
Au cours du XVIIe siècle, les artistes représentants du nouveau courant appelé baroque ont développé un type d'art très particulier, qui exalte la grande pompe des nobles et les puissantes cours des rois et des empereurs, créant des scènes dans leurs œuvres très riches en détails et avec une coupe souvent théâtrale. . Même dans la sculpture baroque, le mouvement est confronté à de nouveaux yeux et idées pour les adapter précisément à la pensée de l'époque. Un bel exemple du style baroque nous est donné par les merveilleuses œuvres créées par le grand maître italien Gian Lorenzo Bernini (1598-1680). Ici sur le côté, nous voyons l'ouvrage intitulé Apollo et Daphnéréalisé par Bernini vers 1622-25 qui nous raconte une célèbre scène mythologique. C'est la triste histoire que raconte le poète latin Ovide de la métamorphose de Daphné, une nymphe aimée du dieu Apollon qui se transforme en laurier peu avant d'être atteinte par la bien-aimée. Dans l'œuvre, nous voyons Daphné pousser un cri de désespoir et de douleur alors qu'elle commence à se transformer. En fait on voit déjà les pieds, les cheveux ou les mains qui deviennent des feuilles et des brindilles. Bernini a arrêté le moment précis des dernières étapes d'une course folle avec les deux chiffres qui semblent légers dans le dernier moment de la course. Le mouvement léger des deux est parfaitement perçu même si en même temps on voit aussi cette partie du tronc et des feuilles en bas qui nous donne une impression d'immobilité forcée pour Daphné et qui indique que ce qu'Apollon a fait était le dernier pas, le dernier mouvement pour sa course. Bernini dans le pur style baroque veut émerveiller le public en regardant cette œuvre avec un mouvement contrasté efficace de la scène. L'artiste joue avec l'immobilité naturelle et évidente de la statue et avec les impressions que nous transmet le mouvement représenté. Enfin, cela est également exalté par la dernière impulsion de Daphné qui, levant les mains, tente désespérément de se détacher en sautant au moment même où elle est «hibernée» par la transformation en position statique. le dernier mouvement de sa course. Bernini dans le pur style baroque veut émerveiller le public en regardant cette œuvre avec un mouvement contrasté efficace de la scène. L'artiste joue avec l'immobilité naturelle et évidente de la statue et avec les impressions que nous transmet le mouvement représenté. Enfin, cela est également exalté par la dernière impulsion de Daphné qui, levant les mains, tente désespérément de se détacher en sautant au moment même où elle est «hibernée» par la transformation en position statique. le dernier mouvement de sa course. Bernini dans le pur style baroque veut émerveiller le public en regardant cette œuvre avec un mouvement contrasté efficace de la scène. L'artiste joue avec l'immobilité naturelle et évidente de la statue et avec les impressions que nous transmet le mouvement représenté. Enfin, cela est également exalté par la dernière impulsion de Daphné qui, levant les mains, tente désespérément de se détacher en sautant au moment même où elle est «hibernée» par la transformation en position statique.
Le mouvement au XXe siècle.
Arrivés plus récemment, les artistes ont maintenant étudié et compris le thème du mouvement et comment il pouvait être représenté et interprété. Au XXe siècle, les artistes du courant futuriste ont plutôt commencé à s'intéresser avant tout à la représentation du mouvement lui-même, comme si c'était le seul sujet et donc sans l'adapter aux besoins d'une figure humaine. Le mouvement est étudié scientifiquement et les effets qu'il produit sont examinés. L'un des artistes futuristes qui a le plus développé ce thème est l'Italien Umberto Boccioni (1882-1916) qui a réussi à renouveler la sculpture au XXe siècle en abordant de nouvelles questions telles que le dynamisme d'un corps ou les phases de mouvement à travers ses œuvres célèbres. Sur le côté on voit son célèbre ouvrage intituléFormes uniques de continuité dans l'espace à partir de 1913, où dans une sculpture en bronze Boccioni représente une personne qui marche. Les différents effets et poses du mouvement qui se produisent dans les moments suivants sont fusionnés dans l'œuvre tous ensemble.
