Œuvres de Klimt: les 15 plus beaux tableaux

De New York à Vienne, un voyage idéal à travers les œuvres de Klimt, pour connaître le meilleur du père de l’Art Nouveau. Voici les 15 meilleurs tableaux de Klimt.

Gustav Klimt est sans aucun doute l’un des artistes les plus appréciés et les plus populaires de toute l’histoire de l’art. Il est né le 14 juillet 1862 à Vienne , ville à laquelle il sera fortement lié tout au long de sa vie. Après avoir fréquenté l’École des arts appliqués, avec un groupe de jeunes artistes, il fonde la Sécession de Vienne en 1897 , un mouvement de rébellion contre les canons stricts et obsolètes de l’Académie de Vienne. Avec la devise « Art sa liberté, à l’époque son art », ce mouvement, inséré dans le courant européen de l’ Art Nouveau, vise à renouveler l’art dans tous ses domaines, en rejetant tout type d’historicisme . A la base de ces nouvelles expressions artistiques, le dénominateur commun est un:.

Avec Klimt, la décoration devient un moyen – et en même temps une fin – omniprésente, qui embrasse la peinture et tous les arts appliqués. Sur des fonds dorés, des lignes douces et sinueuses se croisent avec de petites formes géométriques qui remplissent complètement les espaces – à la fois picturaux et architecturaux – pour des sujets qui, avant tout, s’inspirent de la nature et de mondes allégoriques oniriques . Le résultat est exceptionnel. L’ érotisme et la préciosité des peintures de Klimt dégagent une aura magique, qui exerce une fascination sensuelle, profonde et impalpable sur l’observateur.

Voici les 15 œuvres de Klimt à travers le monde qui sauront vous séduire!

1. Espoir II

Ce voyage commence au MOMA à New York , où vit La Speranza II . Il n’est pas si courant de trouver des représentations de femmes enceintes dans l’histoire de l’art. Klimt, cependant, décrit la grossesse à deux reprises: d’abord avec La Speranza I et, ensuite, avec La Speranza II . Dans ce cas, Herma, le modèle des deux tableaux, porte une longue robe ornée de formes géométriques qui cache presque complètement son corps, le transformant en objet ornemental. La figure, sculpturale et complètement absorbée en elle-même, tient un crâne sur ses genoux, tandis qu’à ses pieds trois femmes sont pliées, on ne sait pas si elles sont en deuil ou en prière. La vie et la mort, dans cet ouvrage comme dans beaucoup d’autres de Klimt, se heurtent au sens de l’existence.

2. Portrait de Mäda Primavesi

Klimt a réalisé plusieurs portraits, pour la plupart de femmes aristocratiques, souvent méprisantes et hautaines: comme avec noblesse et élégance, l’artiste a voulu peindre le charme décadent d’une classe sociale en ruines. C’est quelque chose que nous percevons également dans ce travail, malgré le fait que Mäda Primavesi, photographiée dans une pose si puissante, n’est qu’une fillette de neuf ans. Pour un face à face avec elle, rendez-vous au Metropolitan Museum of Art , sur la Cinquième Avenue.

 

3. Portrait d’Adele Bloch Bauer

C’est sans aucun doute l’ une des peintures les plus célèbres de Klimt, ainsi que l’une des plus représentatives de sa «période dorée» très célèbre. C’est le triomphe de l’or, sans demi-mesure. Adele Bloch Bauer, une riche viennoise, se transforme ici en idole: sa robe, décorée de références byzantines, yeux magiques, spirales et carrés, ne fait qu’un avec le fond précieux, sans qu’il y ait de distinction entre les niveaux de perspective , vêtements et corps. L’histoire récente de ce tableau est également l’une des plus fascinantes: confisquée par les nazis pendant la Seconde Guerre mondiale, elle a été revendiquée après des décennies par la petite-fille d’Adele Bloch Bauer, qui avait entre-temps fui l’Autriche aux États-Unis. Plus tard, il a été acheté par Ronald Lauder qui, l’achetant pour 135 millions de dollars, a fait le Portrait d’Adele Bloch Bauerl’une des peintures les plus chères jamais vendues au monde. Aujourd’hui, on la trouve toujours là-bas, à la Neue Galerie de Ronald Lauder, à New York .

4. Faggeto I

Nous changeons de continent et changeons complètement de thème: nous sommes en Europe et nous sommes confrontés à un paysage. Bien que moins connus du public, les paysages que le peintre viennois a peints sont nombreux. L’un de ceux-ci, qui se prête bien à l’observation des traits saillants de ce type d’œuvres klimtiennes, est le Faggeto I , conservé à la Gemäldegalerie Neue Meister de l’ Albertinum à Dresde. Dans ce travail, nous observons une forêt de hêtres dense, où les arbres, droits et minces, semblent presque vouloir faire une métaphore de la solitude humaine. L’horizon – comme d’ailleurs l’observateur – est coupé du tableau, créant un scénario qui, bien que proche, reste impénétrable. Comme tous les paysages de Klimt, plus qu’un panorama, c’est une portion carrée de la nature: comme un zoom sur la réalité, une sorte d ‘”art en pièces”.

5. La Vierge

Après l’âge d’or, Klimt développe une peinture aux couleurs plus marquées et aux traits plus durs. Cela se voit clairement dans La Vierge , une toile de 1913 conservée à la Galerie Národní à Prague . L’œuvre a une forte essence érotique: le peintre représente six femmes enchevêtrées entre elles dans des positions scandaleuses, abandonnées dans des tourbillons de fleurs colorées. Les thèmes centraux de la peinture sont les thèmes humains de la sexualité, de l’amour et de la régénération, comme le suggère la forme circulaire de la composition.

6. Frise Stoclet

En 1904, l’industriel Adolphe Stoclet charge les artistes de la Sécession viennoise de construire sa maison à Bruxelles, que nous appelons aujourd’hui le Palais Stoclet. Libérés de tout conditionnement, les jeunes sécessionnistes ont enfin pu s’essayer à la création d’une œuvre d’art mondiale. Klimt s’est occupé de la décoration de la salle à manger, où il a créé une énorme et magnifique frise en mosaïque, principalement à fonction ornementale. Il y a quatre sujets représentés par l’artiste: l’arbre de vie, l’attente, l’étreinte et le chevalier. Malheureusement, le palais Stoclet étant une résidence privée, il n’est pas accessible au public mais, heureusement, le musée des arts appliqués de Vienne – en allemand: Museum für angewandte Kunst – contient tous les dessins préparatoires pour la frise.

7. Mort et vie

Vienne est la mère et la maison de Klimt. C’est donc dans cette ville que vous trouverez les collections les plus importantes consacrées à son art. Le musée Leopold possède l’une des plus grandes collections d’art moderne autrichien au monde, qui comprend également de nombreuses œuvres de Klimt. Parmi ceux-ci, l’un des plus importants est Death and Life , un tableau de 1910 dans lequel le peintre laisse place à une puissante représentation allégorique de l’existence: la mort, représentée par un squelette enveloppé dans une robe couverte de croix, contraste de façon menaçante avec le La vie, symbolisée par le groupe de personnages, enchevêtrés, à droite du tableau. L’opposition des forces d’Eros et de Thanatos, représentée sur une toile.

8. La frise Beethoven

En 1902, les sécessionnistes viennois organisent une exposition entièrement dédiée à Ludwig van Beethoven, pour célébrer la Musique – en tant que reine de tous les arts – et l’idéal du génie artistique, que Beethoven lui-même personnifie. La frise a été peinte par Klimt à cette occasion, le long des murs du bâtiment de la Sécession , où elle se trouve encore aujourd’hui. S’inspirant de la Neuvième Symphonie, Klimt peint trois séquences interdépendantes: Le désir de bonheur , les forces hostiles et l’hymne à la joie . Le message allégorique est, contrairement à la Frise Stoclet, très puissant dans ce cas, tout comme son style décoratif.

9. Le baiser

La Österreichische Galerie Belvedere à Vienne , située dans l’un des plus beaux palais baroques d’Europe, conserve un grand nombre de peintures de Klimt et en sélectionner quelques-unes importantes n’est pas une tâche facile. Malgré cela, on peut dire, sans aucune hésitation, que la place d’honneur appartient à Il Bacio , l’œuvre la plus populaire de l’artiste viennois, ainsi que l’une des plus célèbres de toute l’histoire de l’art. Le tableau appartient, comme on le voit, à l’âge d’or de l’auteur, qui représente deux amants s’embrassant dans un baiser passionné. Comme dans le Portrait d’Adele Bloch Bauer, le fond doré embrasse les vêtements des deux personnages, décorés de motifs byzantins, de volutes, de formes géométriques et de fleurs colorées. Un décorativisme débridé, donné au thème de la passion humaine.

10. Judith I

Jusqu’à présent, aucune œuvre d’art n’a pu fixer sur la toile un regard d’une intensité comparable à celle de Judith I.Dans ce tableau, datant de 1901 et conservé à l’ Österreichische Galerie Belvedere à Vienne, Klimt dépeint son modèle Anna dans le le rôle d’une Giuditta irrépressible, très sensuelle, plongée dans un bain d’or et agrémentée de détails minutieux. La tête d’Oleferne, entre les mains de la femme, est à peine visible dans le coin inférieur droit: la femme fatale , cruelle séductrice, est même mortelle pour son amant.

11. Le tournesol

Le tournesol est un sujet inhabituel dans la peinture klimtienne et, précisément pour cette raison, particulièrement remarquable. Récemment acquis par la Galerie Belvédère , ce tableau représente un tournesol plongé dans une nature verdoyante et, comme dans tous les paysages de Klimt, impénétrable. Beaucoup de critiques sont convaincus que, plus qu’un simple zoom sur la nature, dans ce cas, nous sommes confrontés, encore une fois, à une sorte de portrait féminin: la géométrie du tournesol, qui se détache à peine de l’arrière-plan, est en réalité inhabituelle. et pourrait être associé à un caractère anthropomorphe. Il ne faut pas oublier que Klimt était aussi un symboliste: l’équivalence femme = fleur et fleur = femme devait être absolument licite et partageable pour lui.

12. Dame au chapeau et boa de plumes

Encore un portrait, toujours à la Galerie du Belvédère . Peint par l’artiste viennois en 1909, ce tableau a une signification importante, car il représente un point de rupture avec le portrait traditionnel klimtien. Tout d’abord, la femme du tableau, représentée en demi-longueur et non en pied, est immortalisée dans un décor extérieur (une rue de Vienne) et non dans l’atelier du peintre. De plus, les motifs décoratifs typiques des portraits féminins de Klimt, dans La Dame au chapeau et au boa en plumes, le sont moins: le vortex sans dimension de géométries et de spirales qui implique généralement des vêtements et un arrière-plan disparaît, et le protagoniste commence à acquérir une certaine indépendance par rapport à l’arrière-plan.

13. Adam et Eve

Adam et Eve fait toujours partie de la collection de la galerie Belvedere . C’est la dernière œuvre que le peintre a réalisée avant sa mort, à tel point qu’elle a été retrouvée dans son atelier, encore inachevée. Cette toile verticale appartient à la dernière phase de Klimt, le soi-disant «style fleuri», caractérisé par des couleurs sombres et des traits audacieux. Malgré la représentation d’un couple, il est évident que le sujet central est la femme, qui cache, avec son corps et sa lumière, l’homme derrière elle. C’est la figure de la femme qui reste, jusqu’au bout et dans toutes ses déclinaisons, la plus grande obsession de Klimt.

14. Judith II

En 1909, Klimt a créé une deuxième version de la Giuditta, qui nous emmène aujourd’hui en Italie, à la Galerie internationale d’art moderne de Venise . Dans ce cas, l’ambivalence de la féminité, qui est à la fois beauté et séduction dangereuse, est encore accentuée: la femme, toujours belle, dans Judith II est moins délicate voire plus cruelle, comme nous le suggèrent les mains sinistres que pour ses cheveux. ils tiennent la tête d’Holopherne.

15. Les trois âges des femmes

Le dernier et beau chef-d’œuvre de Klimt, qui conclut ce voyage, est Les trois âges de la femme , aujourd’hui conservés à la Galerie nationale d’art moderne et contemporain de Rome . Le peintre donne un visage à l’enfance, à la maternité et à la vieillesse, opposés les uns aux autres, dans une représentation de la vie qui – comme on le voit souvent dans l’art de Klimt – est forcément cyclique. Dans ce cas, la représentation est pourtant particulièrement touchante: la douceur de l’enfant émeut, la grâce de la jeune femme enchante, le désespoir de la vieille femme consternée. Nous sommes au sommet de la poétique symboliste raffinée de Klimt.