L’histoire de la façon dont nous avons cru au mensonge du blanc dans la sculpture classique

Les grandes statues de personnages antiques, ciselées dans le marbre pour atteindre une perfection élégante et galbée, sont depuis longtemps l’image à laquelle nous associons la sculpture classique. Ces statues sont généralement blanches, mais l’histoire – du moins celle que nous avons progressivement commencé à démêler – nous apprend que, dans le passé, les anciennes statues de marbre étaient riches en couleurs. L’ expert en art ancien et en archéologie Peter Reynaers a expliqué comment la nature et les préjugés ont recouvert les sculptures classiques en blanc.

Lorsque Pompéi était encore debout, il y avait un atelier de peinture qui aurait abrité 29 pigments de couleur. L’éruption du Vésuve a finalement détruit cette boutique, mais le livre de Pline l’Ancien, Natural History , est une preuve de son existence et de la présence de l’ art polychrome dans la Rome antique. «Les anciens aimaient la couleur et pas seulement les statues», s’enthousiasme Peter. “De nos jours, il y a très peu à voir de ces couleurs, mais la technologie moderne nous a permis de redécouvrir les résidus de peinture sur les statues et les temples, montrant que dans les temps anciens, tout était en fait très vivement coloré.” 

La vie en technicolor

Dans la Grèce antique et la Rome antique, les couleurs étaient formées d’extraits minéraux mélangés à de la cire d’abeille ou du jaune d’œuf. Les statues de marbre ont été peintes dans des tons primaires vifs – loin de la palette austère que nous avons longtemps associée à l’art ancien. Certaines fresques du 1er siècle de notre ère représentaient des guerriers en bronze vêtus de robes colorées, et les historiens ont constaté que les Grecs n’aimaient pas les sculptures incolores, jugées laides. 

Il y avait des raisons esthétiques à l’utilisation de la couleur, mais ce sont les raisons spirituelles qui ont pris le plus de poids, dit Peter. “Pour les anciens, il était très important que les statues soient colorées, car la statue d’un dieu ou d’une déesse était le ‘conteneur’ sur Terre pour l’esprit de l’être divin, il fallait donc le représenter fidèlement comme un être vivant”. La couleur de ces sculptures était souvent si suggestive qu’elle suscitait des réactions différentes de ceux qui les rencontraient.

«Prenons la statue d’Aphrodite (Vénus) cnidie de Praxitèle. La sculpture avait été peinte en polychrome par un peintre célèbre qui avait inventé une nouvelle technique pour rendre la statue «vivante». C’était tellement beau et réaliste qu’il excitait sexuellement les hommes, comme en témoigne le conte traditionnel des jeunes gens qui pénètrent dans le temple la nuit et essaient de s’accoupler avec la statue. ” Quand est-ce que tout est devenu si blanc?

Une erreur naturelle

L’une des principales forces motivant l’annulation de la couleur était le temps lui-même. «De nombreuses statues étaient des découvertes archéologiques. Après avoir été si longtemps sous terre – en plus d’avoir subi des processus tels que l’oxydation – la peinture sur leurs surfaces a été complètement effacée », explique Peter. «En conséquence, ces statues ont été retrouvées sans leurs couleurs et de nombreux artistes qui ont essayé d’imiter le style de l’art ancien ont copié cet élément. Tout a commencé à la Renaissance et, à partir du XVIe siècle, le consensus selon lequel les statues étaient destinées à être incolores s’est répandu parmi les collectionneurs. Même dans les musées, les petites taches de peinture ont été enlevées, car les conservateurs pensaient qu’il s’agissait de «saleté» et non de résidus de peinture qui étaient incroyablement restés sur le marbre ».

Avec l’émergence de l’art de la Renaissance , le concept même de raffinement artistique a également commencé à être réécrit. L’art coloré du Moyen Âge était considéré comme indigne et non intellectuel. Au contraire, la candeur était le critère de l’art et de l’intellectualisme de haute qualité. Des artistes réputés et réputés, tels que Léonard de Vinci, étaient également opposés à l’utilisation de la couleur dans les sculptures, estimant que la sculpture devrait se concentrer sur la capacité de ciseler et d’affiner la forme humaine (dans le cadre d’un débat plus large connu sous le nom de comparaison ). .

Pouvoir et préjugés

C’est ici, cependant, qu’une force plus maléfique entre en jeu. Un rapide pas en avant vers le XVIIIe siècle et l’idéal classique était synonyme de candeur. L’art a toujours été victime de la subjectivité et des influences extérieures et, dans les années 1700, un livre a été publié qui continuerait à perpétuer le mythe du blanc, assaisonné d’une forte dose de racisme biologique. 

Johann Joachim Winckelmann était un historien de l’art allemand bien connu et, en 1764, il publia son ouvrage désormais fondamental dans la littérature européenne, History of Art in Antiquity . C’est dans ce texte que Winckelmann a non seulement ignoré les preuves des sculptures colorées, mais les a rejetées complètement. En effet, il affirme que “la couleur contribue à la beauté, mais ce n’est pas la beauté” à côté de la thèse selon laquelle “plus le corps est blanc, plus il est beau”. 

Ici commence l’un des récits les plus insidieux de l’art classique . La sculpture représente souvent la forme humaine et la couleur a été au fil du temps considérée comme quelque chose de réducteur et de frivole. Quand Hitler a adopté la sculpture classique comme la forme d’art la plus pure et la plus acceptable, cela a confirmé à quel point l’effacement de la couleur dans la sculpture était devenu problématique. Le manque de couleur n’était plus seulement une question de temps consommé dans l’art, mais était devenu une tentative consciente de prouver qu’il n’avait jamais existé. 

Pour restaurer la couleur du monde antique

Ces points de vue ont atteint jusqu’au 20e siècle, mais la vérité a depuis été découverte. Bien que des personnalités comme Hitler et peut-être Winckelmann aient transformé la sculpture classique en une arme arsenale pour le racisme biologique, les chercheurs conviennent que les anciens s’en fichaient – du moins pas par rapport à la société actuelle. En fait, les Romains seraient profondément intéressés par les personnes de couleur (en particulier les anciens Ethiopiens) et les sculpteurs de l’époque ont essayé de représenter avec précision les différents tons de peau. 

La technologie moderne, comme l’impression 3D, redonne ses couleurs au monde antique. Ceci est très important pour la précision historique à plusieurs niveaux. Une grande partie de l’histoire consiste à comprendre comment vivaient les gens d’une certaine époque: la sculpture classique offre un aperçu de qui y vivait exactement. L’omniprésence des sculptures blanches pose problème, car elle pose de fausses prémisses autour de ce que les anciens considéraient comme beau et encourage la croyance que l’idéal que la beauté devrait rechercher est toujours le blanc. 

Comme le souligne Sarah Bond dans son article « Blanchiment à la chaux de statues anciennes: blancheur, racisme et couleur dans le monde antique », l’exposition continue par les musées de sculptures non peintes déforme l’impression que les gens ont de la culture ancienne. Bien sûr, une grande partie de l’art de la Renaissance était blanche, mais il est important de représenter des sculptures qui étaient autrefois colorées dans leur version en couleur. Sinon, nous ne voyons que des couleurs et des personnes de couleur dans la poterie ancienne et l’art tribal – qui renforcent souvent sans le savoir une vision profondément enracinée de la barbarie et déforment de grands groupes de personnes. 

La région méditerranéenne et ses habitants étaient une tapisserie de couleurs. En fin de compte, l’art ancien devrait être le miroir.